この世には、耳を澄まさなければ聞こえてこない音楽があります。激しいビートや大きな叫びの中にではなく、静寂と音の間にこそ、真実の感情が隠されている。そんな音楽を生み出したのがサックス奏者、クラリネット奏者、そして類まれな作曲家であったジミー・ジュフリーです。
🎼 ジミー・ジュフリーが描いた「20世紀の夢」
彼がジャズの世界に登場したのは、ビッグバンドの時代が終わろうとするあの時代の熱狂が冷め始めた頃でした。そこからジュフリー氏は、ウェスト・コースト・ジャズという洗練された潮流の中心人物として、自身の音を静かに磨き上げていきます。
彼の音楽には、形式や既存の属性に決して媚びず、常に新しい表現を追い求めた孤高の探求者の魂が宿っています。
特に1960年代初頭、彼はそれまでの牧歌的なスタイルを捨て、前衛音楽の領域へと大胆に踏み込みました。クラリネットの持つ繊細な音色と共演者たちとの自由な対話は、聴く者の内面に深く潜り込みます。
彼はなぜ成功を収めていたスタイルを捨て、聴衆の理解を得るのが難しい独自な前衛を追求したのでしょうか。
この記事ではジミー・ジュフリーという一人の天才がジャズにもたらした、静かな革命の軌跡をたどります。彼の音楽が持つ緊張感と美しさ、その実験的な挑戦が今を生きる私たちにどのような20世紀の夢を見せてくれるのか。それを探っていくことにしましょう。
📜 ジミー・ジュフリーが生まれた「あの時代の熱狂」
ジェイムズ・ピーター・ジュフリー氏は1921年、テキサス州ダラスで誕生しました。彼はサックスやクラリネットといった管楽器を操るだけでなく、作曲家や編曲家としても才能を発揮したのです。彼の名を世に知らしめたのは、1947年にウディ・ハーマン楽団のために書いた「Four Brothers」（フォー・ブラザーズ）という曲でした。この曲は、サックス・セクションの緊密なハーモニーを強調したもので、ハーマン楽団の代名詞となり、のちのクール・ジャズの美学を先取りした作品として評価されています。
彼はその後、ショーティ・ロジャースといった人気グループで活動し、ウェスト・コースト・クール・ジャズの中心的な存在となっていきます。
ギター、ベースとの牧歌的なトリオの誕生
1956年、ジュフリー氏は自身のトリオを結成しました。初期のトリオはジム・ホール（ギター）、ラルフ・ペナ（ベース）という編成で知られています。この編成は、当時のモダン・ジャズの主流であったハード・バップの喧騒とは一線を画していました。
この初期のトリオの演奏は素朴な民謡性、つまりフォーク・ジャズを感じさせると評されました。しかし、これは本当に存在した民謡というよりも、ジュフリー氏の音楽が感じさせる錯覚にすぎない虚構のフォークロアでした。
やがて彼はベースの代わりに、ボブ・ブルックマイヤー（ヴァルヴ・トロンボーン）を加えたトリオを結成します。クラリネット、トロンボーン、ギターという変則的な編成での試みは、ジャズ史上でも決定的な先駆であったと言えるでしょう。
ジュフリー氏は初期のトリオの雰囲気を、ドビュッシーの室内楽作品のパステルカラーと牧歌的なムードから着想を得ていたことを認めています。
1961年、知的な前衛への大転換
しかし1960年代に入ると、ジュフリー氏の音楽は劇的な転換を迎えます。彼はジム・ホールとのトリオで実現したフォーク・ジャズの成果に限界を自覚したのかもしれません。
1961年に結成されたのが、ポール・ブレイ（ピアノ）とスティーヴ・スワロウ（ベース）とのトリオでした。ジュフリー氏はこのトリオを「自由な音の構造と形式を探る試み」と位置づけていました。彼の目指すものは無調を基本とし、現代室内楽的でシリアスな音楽へと近づいていきます。
この時期のジャズ界は、ジョン・コルトレーンやマイルス・デイヴィスといった巨匠たちがモード・ジャズを推し進め、ビル・エヴァンスがピアノトリオの可能性を広げていた熱狂的な時代です。その中でジュフリー氏のトリオは、騒音とは程遠い室内楽のようなこじんまりとした空間を作り上げます。
この音楽的特徴は、感情にどう作用するでしょうか。
音の隙間や静かに選択された一音一音が、聴き手の内側に深く問いかけてくるように感じられます。音楽は「シンプル」と「複雑」の間の、奇妙な揺らぎを常に保っています。彼らは集団で騒々しく演奏するフリー・ジャズではなく、対話や存在としての沈黙を追求しました。
クラリネット、ピアノ、ベースが三者対等に、時に調性があったりなかったりしながら、誰かが出した音に他の二人が反応し合うのです。この知的な対話は聴き手に強烈な緊張感と、内省へと誘う静けさを与えるのです。
🎤 ジミー・ジュフリーの「知的な孤独」を紐解く
ジュフリー氏の音楽は、その静かながらも革新的な性質ゆえに、共演者や批評家から高く評価されてきました。彼の音楽はジャンルや既存のカテゴリーに決して囚われない姿勢を貫いたため、長いキャリアの中で多くのことを成し遂げたアーティストと称されています。
Zev Feldman氏（Resonance Recordsプロデューサー）の驚き
ジュフリー氏のキャリアで、1965年初頭から1972年の正規録音再開までの間には約10年の空白の期間がありました。しかし2012年、プロデューサーのゼヴ・フェルドマン氏は1965年の未発表ライブ音源（『New York Concerts: The Jimmy Giuffre 3 & 4』）を発見します。
フェルドマン氏は、新発見の演奏を聴いてすぐ、この録音をリリースするためにあらゆる力を尽くさねばならないと思ったそうです。特に1965年の演奏は、ドン・フリードマン（ピアノ）、バール・フィリップス（ベース）とのトリオにジョー・チェンバーズ（ドラムス）を加えたカルテットや、リチャード・デイヴィス（ベース）、チェンバーズとのトリオという、興味深い編成でのスリリングなやりとりが記録されています。
聴き手はこの空白の記録に触れることで、感情の波が押し寄せるような衝撃を受けるはずです。この録音は、よりフリーな方向へと突き進んだ当時の演奏を伝える実に貴重な記録なのです。
ジム・ホール氏（ギタリスト）が語る超越性
ジュフリー氏の初期トリオで共演し、その牧歌的なスタイルを築き上げたギタリスト、ジム・ホール氏は、ジュフリー氏の作曲能力の非凡さを指摘しています。ホール氏はジュフリー氏がクラリネットと弦楽オーケストラのために書いた『Piece for Clarinet and String Orchestra/Mobiles』（1959年）について言及しています。
この作品のライナーノーツを書いたホール氏は、ジュフリー氏のポリフォニックで、時に美しい不協和音を散りばめた作風を評価しています。特に『Mobiles』は、全体が即興で構成された部分があり、ジャズともクラシックともつかない音楽でありながら、「ジミー・ジュフリーらしく聞こえる何か」を確立していると述べたのです。ホール氏にとってその音楽は、時代や場所、そしてカテゴリーをも超えた成功を収めていたのでした。
Brian Morton＆Richard Cook氏（批評家）が捉えた「静けさ」
批評家のブライアン・モートン氏とリチャード・クック氏は、ジュフリー氏の演奏スタイルについて、そのシンプルで静かな美点を擁護する姿勢を強調しています。
ジュフリー氏のクラリネットの音色は、楽器の低音域である「褐色のシャリュモー音域」を巧みに使いこなし、「シンプルな静けさの審美的な利益」を守り抜いていると評されました。彼のアウト・オブ・テンポ（拍子にとらわれない）な演奏は、まるで偉大なジャズ・シンガーを思わせるほど、表情豊かだったそうです。
ジュフリー氏自身も、「ある時、自分は前衛クラシックの作曲家になりたいと思ったが、結局はジャズの感覚という別の言葉を話すことを知った」と語っています。
彼が追求したのは、ジャズとクラシックの概念的な枠組みの外側に立ち、その両方から借りながら誰にも借りを作らない音だったのです。
✨ ジミー・ジュフリーの音の錬金術
ジュフリー氏のディスコグラフィは、彼の音楽的な探求の歴史そのものです。彼の作品はその時々の挑戦によって、サウンド、編成、そして感情的な深さが大きく異なります。
ここでは彼のキャリアを定義づけた三つの重要なアルバムを、客観的な視点と情感的な視点から比較してみます。
『The Jimmy Giuffre 3』 (1957)：牧歌的な景色を描いた名演
このアルバムは、ジュフリー氏の初期トリオ（クラリネット/サックス、ジム・ホール：ギター、ラルフ・ペナ：ベース）による代表作です。映画『真夏の夜のジャズ』（1960年公開）の冒頭を飾った名曲「The Train and the River」（ザ・トレイン・アンド・ザ・リヴァー）が収録されています。
演奏は、西海岸ジャズの持つ繊細な美学を体現しています。この時代のジュフリー氏はクラリネット、テナーサックス、バリトンサックスを自在に使い分けました。このトリオはドラムレス編成を特徴とし、牧歌的でフォーク調のジャズを展開しています。
聴きどころは、ジュフリー氏の管楽器と、ジム・ホールの繊細なタッチのギターとの間に生まれる対話です。レコードで聴くと、音の空気感や楽器間の微妙な距離感が伝わり、ライブ感覚の生々しい演奏が楽しめます。特に「The Train and the River」では、クールで流れるようなメロディの中に、どこか懐かしい感情が揺らぐのです。
『Thesis』（1961, Verve/ECM）： 内省的な対話と静寂の探求
この作品は、ジュフリー氏がポール・ブレイ（ピアノ）とスティーヴ・スワロウ（アコースティック・ベース）と組んだ、前衛への転換点となる三部作の一つです。
ここでジュフリー氏はクラリネット一本に集中し、伝統的な奏法を封印。高度にアブストラクトな演奏が行われ、少人数アンサンブルにおける微細な対話と、音の間合いや余韻を大切にした室内楽的な感性が強く打ち出されています。
この編成は緻密なアンサンブルと、クールな中で丁々発止する一定の緊張感を持ち続けています。
ECMから『Fusion』と合わせて『1961』として再発された際、プロデューサーのマンフレッド・アイヒャー氏によってリミックスされました。この再発盤はECM特有のクリスタルな音響と残響が付加され、いかにもECM的サウンドに変質しています。
オリジナル盤の音を好むリスナーからは異論もありますが、このECMエコーはジュフリー氏の静謐な即興を、まるで内面の深層に語りかけるように響かせます。聴きようによっては作られた時期を考えると、信じられないほど新しい響きなのです。
『Free Fall』 (1963)：極限の自由と孤独な世界観
『Free Fall』は、ジュフリー氏のアヴァンギャルドな試みが最も極限に近づいたとされる作品です。このアルバムでジュフリー氏は、クラリネット独奏（ソロ）が半分を占めるという大胆な構成を採用しています。
このレコードは「1960年代に生まれた最も革命的な録音の一つ」と見なされています。そのサウンドはアヴァンギャルドと好奇心に満ちた即興の中間に位置し、室内楽とジャズの形態の融合を聴き手に提供します。
特筆すべきは、彼のクラリネットのインプロヴィゼーションの素晴らしさです。そのライン即興のレベルは、後年に登場するミシェル・ポルタルが現れるまで、ジャズの世界でこれを超えるリード楽器奏者はいないのではないかと評されています。
この作品はコロムビアという大手レーベルからリリースされたにもかかわらず、その難解さからファンにはあまり受け入れられなかったようです。そのため初回リリース以降レコードでの再発はなく、USオリジナル盤は5万円超という高額で取引されるほどの希少価値を持つに至りました。
このレコードはジュフリー氏がフリー・インプロヴィゼーションへの回答を、現代音楽との融合という形でアイディアを完結させた記録なのです。
🔗 ジミー・ジュフリーが描き出した「孤独な世界観」
ジミー・ジュフリー氏の音楽が持つ独特の感性は、ジャズというジャンルを超えて、他の芸術作品と深く共鳴し合っています。彼の音楽の中心にあるのは形式からの自由と音の輪郭、そして深い孤独感です。
静けさの建築家：クロード・ドビュッシーの印象派和声
ジュフリー氏が初期のトリオのインスピレーションとして、クロード・ドビュッシーの室内楽作品を挙げているのは象徴的です。ドビュッシーが追求した印象派和声は、従来の機能和声（ドミソといったコード進行）から逃れ、音の色彩やテクスチャを重視しました。
ジュフリー氏が目指したのも、クラシック由来の硬質な音色と無調を基本とする和声でした。
1961年の三部作（『Fusion』『Thesis』）では、ドビュッシーから連なるフランスの近現代クラシックの響きが木霊（こだま）していると言われます。
彼の音楽は音の「線的な書法」に重心を置き、淡い色彩と空間表現を重視することで、聴き手を陽だまりのような午後や、霧のように広がる朝の空気へと誘います。ドビュッシーが光と影を色彩で描いたように、ジュフリー氏は音と沈黙で内面の風景を描いたのです。
自由の概念：オーネット・コールマンとの同時代性
ジュフリー氏がブレイ、スワロウと組んだ1961年、ジャズ界ではオーネット・コールマンが『Free Jazz』をリリースし、音楽の革命的な和音が響き渡っていました。ジュフリー氏の音楽も形式や調性からの自由を追求しましたが、その手法は対照的です。
オーネットのフリー・ジャズが「騒音」や「激しさ」を伴うことが多いのに対し、ジュフリー氏の音楽は室内楽的な静謐さの中で、即興による「自由な相互作用」を可能にしました。
彼の作品『Free Fall』は、オーネット、ミンガス、シェップらと同じく、知的なヘヴィ・ミュージックの並びとして評価されています。ジュフリー氏が体現したのは感情の爆発ではなく、思考の揺らぎを音にした静かなアヴァンギャルドでした。
両者は異なる道筋をたどりましたが、ジャズの即興の限界を押し広げたという点で、同じ革命的な和音を時代に響かせたのです。
静かな心理の風景：村上春樹の描く「ねじまき鳥」の世界
ジュフリー氏の音楽が持つ「静かな緊張感」や「内へ内へと潜り込んでいくような暗さ」は、現代日本の文学とも共鳴します。特に村上春樹氏の描く静かな心理的風景と重なる部分があるのです。
ダウンビート誌のレビューでは、チェン・シー氏の作品「Mr. Wind-Up Bird, Strange Yearning」が村上春樹氏の小説にインスパイアされたと紹介されていますが、チェン氏の緻密なアレンジはジュフリー氏の音のテクスチャに通じるものがあります。
ジュフリー氏の1961年のトリオが作り出す「妙なモヤモヤ感」や、音と音が空間を探るように展開する探索的な即興は、村上文学の主人公たちが抱える内省的な孤独や日常の中に潜む非線形な現実の糸をたどる感覚に似ています。
ジュフリー氏の音楽は、聴く者に「あなたの沈黙にも、名前があるのでは？」と語りかけ、聴き手の内面の深層にまで入り込む力を秘めています。
それは音楽が背景に沈まず、沈黙の中から浮かび上がるような、独特の孤独な世界観なのです。
🕊️ ジミー・ジュフリーが繋ぐ「音の可能性」
ジミー・ジュフリー氏の音楽の旅は、終始、既成のジャンルやカテゴリーからの自由を求めていました。彼はテキサス州で生まれ、ウェスト・コーストのクール・ジャズを代表する人物でありながら、決してそこに留まろうとはしなかったのです。
彼の功績は、ジャズという枠組みの中で、演奏者同士の自由な相互作用を可能にする形式を開拓した点にあります。クラリネットという楽器にこだわり、その繊細なトーンやダイナミクスを最大限に生かすスタイルは、アナログレコードというメディアと最も高い親和性を持っていました。
特に1961年のポール・ブレイ、スティーヴ・スワロウとのトリオによる三部作は、当時のジャズが芸術音楽としてどこまで高みに到達できるかを示した実験の記録です。それは聴衆の支持を得るのが難しい音楽かもしれませんが、その知性と構造の強さは、今日に至るまで多くの音楽家に影響を与え続けています。
ジュフリー氏は、音楽とは「語り」ではなく「存在」として提示されるべきだと考えていました。彼の音楽のメッセージは、音を増やして自己を主張することではなく、音の隙間、沈黙を「構築する」ことによって聴き手の存在そのものに語りかけるという、静かなる肯定に満ちています。
晩年、パーキンソン病により演奏活動を休止しましたが、彼の残した音楽の財産は、今も世界中のリスナーに開かれています。彼のレコードを聴くという行為は、音と沈黙で描き出した「20世紀の夢」、すなわち自由で、知性に満ちた対話の可能性に触れることなのです。
ジュフリー氏の作品はジャズの歴史における「革新の種」として、これからも未来の世代に受け継がれ、新しい感動を生み出し続けるでしょう。
彼の音楽の持つ繊細かつダイナミックなサウンドを、ぜひあなた自身の耳で体験してみてはいかがでしょうか。
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